DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO
 

Propósito


La realización de este proyecto tiene como propósito entender e interpretar el significado de una imagen reciclada e innovadora, en este caso una imagen de Banksy (artista del street art británico), que se sitúa en un contexto específico, pero que implica un análisis profundo a partir de las imágenes que contiene, ya que toma como referente tres importantes iconos: Ronald McDonald, Mickey Mouse; ambos de origen  norteamericano y, a  “La niña de napalm” referente a la guerra de Vietnam. Estos tres referentes se re-contextualiza

n sin dejar atrás su verdadero origen.
 

Las principales fuentes que tenemos para cumplir este propósito, son los documentos del módulo de estética y las explicaciones dadas en clase por la maestra Mónica Hinestroza, además de fuentes bibliográficas y cybergráficas que nos permiten conocer los contextos históricos de cada imagen, del autor y como objetivo principal, el de la imagen en conjunto.



OBJETIVO GENERAL



Analizar una imagen reciclada e innovadora del artista Banksy e identificar por medio de investigaciones  el trasfondo que esta tiene.



OBJETIVOS ESPECÍFICOS:


- Mediante el proceso de una investigación y análisis, explicar y entender el contexto de una imagen reciclada e innovadora

- Destacar la influencia social de los iconos presentes en la imagen reciclada como herramienta para la comprensión del significado implícito y explícito presente en esta

- Reconocer la importancia de la apropiación de imágenes para la creación de otras, que desencadenan nuevos sentidos y dan un giro relevante a la idea original





ANTECEDENTES





El mundo está “plagado” de imágenes, de representaciones de la realidad, no solo la de cada uno de los individuos, sino de todas las posibles realidades o de representaciones de nuestra imaginación. Una imagen consecutiva a otra, una que se opone a otra, que la supera o que le permite surgir. Cantidades inmensurables de imágenes que nos “inyectan” por medio de la televisión, las revistas, los carteles, las cartas, las fotografías, los logos de productos comerciales, el arte callejero, las personas con su forma de vestir, de combinar,  prototipos de belleza, tatuajes, cortes de cabello y muchas más que están presentes desde que despertamos hasta que nos acostamos, e incluso mientras estamos dormidos. Todo esto se debe a que nos encontramos en la era de la imagen, donde la palabra ha sido reemplazada por  imágenes rápidas y aceleradas que tienen como objetivo transmitir cantidades de  información desmesuradas, que se convierten en desinformación.

Como plantea Víctor Ronobell en su documento “Hipervisualidad: La imagen fotográfica en la sociedad del conocimiento y de la comunicación digital”, el mundo social ha entrado en una hipervisualidad; todo el mundo puede tener una cámara, tomar fotos y compartirlas en las redes sociales lo cual  repercute en un uso óptico-visual masivo de medios audiovisuales, así nos mostramos ante el mundo por medio de imágenes, también teniendo en cuenta que toda imagen es reproducible en millones de espacios diferentes a la vez y donde los fenómenos sociales se  representan de múltiples formas.

“Para querer conocer el sentido visual de una cultura o de los diferentes aspectos o acontecimientos culturales tenemos que investigar sobre las miradas para poder entender la nuestra”. La era de la imagen se caracteriza por eso: la “democratización visual”, esto  y los aprendizajes visuales ayudan a contextualizar y transmitir conocimientos por medio de ellas, de acuerdo a como cada cultura percibe su realidad, y  todas las culturas están cada vez más interrelacionadas lo que permite diversas formas de representación. Es a partir de la multiplicación de puntos de vista, la hegemonía de la imagen y los diversos emisores de significados los que dan base al surgimiento de la hipervisualidad.

Renobell afirma que con esta situación “la sociedad llega a un estado de hipnosis y catarsis visual”… “Incluso los medios clásicos sucumben al poder de la imagen, y esta va ganando protagonismo (color, mayor tamaño y protagonismo…”.
En este orden de ideas, se debe resaltar la importancia de las imágenes presentes en las calles, aparte de la publicidad, las pantallas gigantes y los avisos comerciales, los grafitis juegan un papel muy importante en cuanto a la creación de conceptos y apropiación de espacios en la ciudad.

El arte urbano generalmente se puede entender como una ideología impuesta por el estado, que se considera como un arte vandálico  que afecta la imagen pública de las ciudades. Pero los artistas “callejeros” lo denominan como un proceso  contra-hegemónico que busca reapropiarse de los espacios públicos y a su vez expresar disgusto, antiestética o estilos de vida. Esta manifestación artística ha permitido que el arte vaya democratizándose, debido a que se encuentra en las calles, muros y edificios de las urbes.

También se han tenido opiniones opuestas a la de estos artistas que se deben enfrentar a las críticas de artistas plásticos, pintores e intelectuales que opinan que no es arte, ya que consideran que los encargados de realizarlo no tiene las técnicas necesarias, además de que son “piezas” temporales que son rápidamente reemplazadas, olvidando que el arte debe transmitir un mensaje y que al mismo tiempo critica la estética cotidiana, los parámetros de lo normativo y lo socialmente aceptado. Sin embargo, no se puede  afirmar que todo el arte urbano tiene un sentido irónico o crítico hacia el gobierno, ya que dentro de él se encentran imágenes que no enuncian nada o pierden sentido y entran en la dinámica del mercado, vendiendo sus obras a precios elevados.

En este caso el artista que más ha causado revuelo en cuando al grafiti y que será parte de este proyecto es: Bansky.
Robin Gunningham, más conocido como Bansky, se ha convertido en el artista del graffiti británico más famoso. Creció en Bristol, Inglaterra donde se unió al dilatado movimiento del graffiti de la ciudad al final del auge de la década de 1980. Comenzó pintando con un estilo de graffiti tradicional, para pasarse a las plantillas tras un desagradable incidente: abandonado por el  grupo porque pintaba demasiado despacio.

Las plantillas le permitieron convertir su humor y actitud irreverente en un fuerte impacto visual. Su fama es tal que los medios de comunicación nacionales siguen con avidez sus hazañas más espectaculares. Así por ejemplo, recientemente sus pinturas han sido detectadas – y eliminadas con rapidez- tanto en el Louvre como en la Tate Britain. Estas denotaciones personales fueron descritas como “atajos”. Según Bansky “pasar por todo el proceso de selección para tener una obra expuesta tiene que ser bastante aburrida; es mucho más divertido llegar y ponerla allí uno mismo”. Otra de sus acciones más conocidas consistió en unos grafitis pintados sobre animales, para denunciar la situación de los animales que se encuentran en los zoológicos.

A través del mensaje de sus letras, acciones y obras de arte, es capaz de mantener un tono político al mismo tiempo que consigue asegurarse de que entendemos el humor que contienen.

Él crea conceptos generalmente anticapitalistas que suelen incluir una crítica del sistema de mercado, de la comercialización de las emociones y de la hegemonía del dinero sobre las personas. Pero Banksy es en sí mismo un fenómeno pop y, por tanto, susceptible de ser fagocitado por el mismo sistema que critica. Y prácticamente todas sus obras son procesos de re-contextualización y reciclaje ya que toma importantes imágenes y hace sátiras o crea interrogantes a las personas que viven en un mundo hecho de fantasías.

Él se apropia de las calles y de iconos representativos de la cultura norteamericana de manera especial y muestra la otra cara de la moneda; estas imágenes son una representación de la realidad que Banksy percibe del mundo y la que todos nosotros como habitantes de él, deberíamos conocer.



RESEÑA HISTÓRICA



En la imagen  de Banksy se presentan tres personajes queson iconos mundiales, dos norteaméricanos y una vietnamita (La niña de napalm, Mickey Mouse, Ronald Mcdonalds).  Como evento protagonista se encuentra ; la guerra de Vietnam (1955-1975), esta guerra fue un conflicto bélico que se da por la dictadura de Vietnam del sur (apoyado por Estados Unidos) contra Vietnam del Norte ( respaldado por la Unión Soviética) en el contexto general de la guerra fría. Algo muy importante de esta guerra es que fue conocida por ser la primera derrota bélica de Estados Unidos.

Niña de napalm una fotografía que recorrió el mundo en el año 1972, es de gran impacto, en esta se encuentra una niña de Vietnam con nueve años de edad corriendo hacia la cámara para intentar salvar su vida de la guerra que logró destruir muchas familias, la niña muestra grandes quemaduras como resultado de un ataque con bombas de napalm. El fotógrafo Nick Ut, gano el premio Pulitzer por esta foto, y salvó la vida de Kim Phuc. Más tarde, cuando Vietnam del norte ganó la guerra, la maquinaria propagandística adopto la foto.  “Puede que les cueste creerlo, pero a veces me gusta acordarme de esa niña pequeña que corría gritando por la calle. No es simplemente un símbolo de la guerra, es un símbolo del grito por la libertad,” dice hoy Kim Phuc.

De este enfrentamiento y los traumas que esta guerra trajo a Estados Unidos se derivaron grandes problemas, uno de ellos era el hecho de que las madres de los soldados estaban exigiendo que no mandaran a sus hijos a Vietnam, pues sabían que no volverían con vida y que estaban muriendo de una forma muy violenta, otro de los resultados de este mismo problema fue el surgimiento de los ¨hippies¨ (1960), este movimiento se da ya que los mismos adolecentes querían evitar este final para sus vidas, de ahí su lema ¨paz y amor¨ pero el conflicto más grande que esta guerra deja a los Estados Unidos es la pérdida de esta. Para los americanos ya que fue bastante duro enterarse que por primera vez serian derrotado, llevándolos  a crear la película (First Blood) de una popular saga de Rambo.
En esta película se centra la historia de un veterano de la guerra de Vietnam, (John James Rambo), un experto en todas las técnicas de supervivencia y guerra de guerrillas (mostrando todo lo contrario a la realidad norteamericana), logrando así una gran tranquilidad en el pueblo estadounidense.

En segundo lugar, encontramos a Mickey  Mouse que (ubicado a mano izquierda ), este personaje  producido por el norte americano Walt Disney en el año 1928, este alcanza gran fama a nivel mundial después de ser el remplazo de  otro personaje, (Oswald, the lucky rabbit), un conejo que años antes era parte de las series que Walt producía. Mickey Mouse no era por completo la creación de Walt, pero toda la personalidad que este lleva sí, la personalidad fue en gran parte la causa del éxito.

  ¨ Era una caricatura de buena fortuna, que estaba siempre en el lugar correcto y en el tiempo correcto, con la voz de Walt por muchos años, Mickey debutó en el corto musical Steamboat Willy , acompañado por la música de una orquesta¨ lo cual le daba aún más vida al personaje.

Disney  es uno de los símbolos Estadounidense que representa el capitalismo, y por esto es utilizado por Bansky  para dar a conocer su punto de vista de la realidad Americana. Una de las imágenes que ayudan a comprender el juego de Disney en la guerra, fue una señal de llamada de la Compañía D (compañía de armas)  era “Smiling Tigers” o tigres sonrientes y en 1966 un soldado escribió una carta a los Estudios Walt Disney pidiendo  si podrían diseñarles el logo de un tigre fiero pero sonriente. Cuál sería la sorpresa de todos cuando en febrero de 1967 recibieron un paquete de de los Estudios de Walt Disney con el logo de un tigre sonriente.
Mas adelante sale a la luz pública un cortometraje hecho por Lee Savage en el año 1968, con la duración de 1 minuto, muestra a Mickey siendo enviado en un barco a vietnam , segundos después de llegar le dan un tiro y es asesinado. Este es utilizado como símbolo subversivo que implica la destrucción del mito americano en la guerra de Vietnam.
Đoạn phim ma quái về chuột Mickey Mouse – fantasma clips de Mickey mouse
(video)

El tercer icono que encontramos en  la fotografía es Ronald Mcdonald, (1967), (ubicado a la derecha)  este es un payaso usado como la mascota principal de un famoso restaurante de comida rápida (McDonald´s), esta figura no solo recobra vida por medio de personas a las que le pagan para disfrazarse  pero también esta ubicado en muchos de los restaurantes en forma de estatua, a su vez Ronald vive un mundo de fantasia y aventuras llamado McDonaldlandia en la que se encuentra con varios personajes como Hamburglar, McCheese y  The Fry Kids , Todos estos utilizados para comerciales.

Mcdonald es utilizado junto con Mickey en gran parte de las obras de Bansky de forma Satírica otra de sus famosas imágenes muestra la misma escena de la niña de napalm pero esta vez con Britney Spears en un estado de droga para mostrar aún más la realidad americana.

¨Raising the flag ¨AIzando  la Bandera es una fotografía histórica que fue tomada en Febrero 23 de 1945, por Joe Rosenthal, en esta se encuentran 5 marinos de estados unidos y uno avial Alzando la bandera de los Estados Unidos, esta fotografía fue muy popular y también fue una de las fotografías en ganar el premio Pulitzer. Esta fue otra de las fotografías que Bansky utilizo para demostrar el capitalismo americano del cual tanto se habla en la que se repite la imagen que es sinónimo de conquista pero esta vez alzando a mcdonalds .
(IMÁGENES OFENSIVAS, PG 7 PG10 – LOS MEANDROS DE LAS IMÁGENES)

La imagen es causa de gran impacto y censura  al verla (doc 3), estamos viendo dos iconos que representan felicidad en la vida de los niños , ambos Ronald y Mickey (símbolos del capitalismo norteamericanos) combinados con una niña que sufrió mucho y que por causa de la guerra de Vietnam (en la que estaban involucrados los norteamericanos) perdió toda la vida que llevaba siendo mostrada sin ninguna ¨preocupación moral¨ y esto es una de las mayores causas de ofensa ante nuestros ojos . 

Todas las posturas que se muestran en la imagen son por aparte representación de un alma diferente sin importar que los tres personajes van originalmente de la mano con la ternura , (capitulo 7, belleza como proporción y armonia) y así podríamos hacer gran énfasis en la postura que la niña de napalm muestra: postura de desespero, intranquilidad, algo similar a lo que conocemos en la imagen de Laocoonte en la que la armonía deja el cuerpo y todo ese sufrimiento se representa en el rostro y en su estado fisico. A su vez vemos que Mickey y McDonald los cuales están ergonómicamente bien posicionados mostrando un estado de felicidad y conforte .



CONCLUSIÓN

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En una imagen como la de Bansky podemos encontrar un punto en común y este es el impacto que la imagen genera independiente de que el espectador conozca o no la verdadera historia detrás de estos tres personajes involucrados, pero la combinación de inocencia y maldad resalta al ver los rostros y la falsa sonrisa que ambos norteamericanos quieren mostrar. En primer lugar, son los norteamericanos nuevamente victimas de sus propios INVENTOS ya que su mentalidad está dada a demostrar que son ellos los ganadores por encima de todo
Evidenciamos  como los medios involucran una gran cantidad de mensajes ¨subliminales¨ y manipulan la suficiente información para tener control de cada cosa que hacemos sin ser juzgados por esto, reflejando la visión capitalista que Estados Unidos siempre ha tenido y, por último, y la más importante es demostrar que somos víctimas y seguidores de un sistema el cual nos termina lavando el cerebro hasta el punto de seguir el sistema que tanto criticamos.



ANÁLISIS



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Tomando como referencias los contextos históricos que componen la imagen de Banksy: “Can’t bet the feelin”, es necesario resaltar el atrevimiento del autor al copilarlas en una sola y el porqué de los personajes de acuerdo al papel que cumplen.

Al introducir dos íconos norteamericanos como lo son Mickey Mouse y Ronald McDonald, podemos afirmar que son personajes que transitan entre nosotros, que son realmente conocidos y en verdad bombardean con publicidades, campañas, series, películas y artículos nuestra vida diaria. Al introducir a Kim Phuc en la imagen no sólo obtiene atención, sino también censura y rechazo.

Al fusionar éstos referentes visuales en uno sólo , hace alusión a un modo, político, consumista, económico y social sobre los Estados Unidos, ya que componen históricamente un hilo en el que su política es una mayoría demasiado notable y al invadir Vietnam , concluye una guerra pero a costa de muchas matanzas inocentes y caso de lesa humanidad, en lo social afectando la población vietnamita (campesinos) en una guerra de la cual ellos no participaban, y de consumo por que en la época las dos figuras más poderosas de los Estados Unidos eran Mickey Mouse, ya que éste hacía referencia a la guerra como algo bueno y que en sus transmisiones o comics pedía el alistamiento de jóvenes para Vietnam, y la mascota publicitaria de la franquicia de restaurantes McDonald’s: Ronald McDonald, el cual representa la empresa más grande y con mas cadenas del mundo, donde se estableció como una de las principales proveedoras de comidas para los soldados, donde gran parte de su capital se invertía en guerra.

Tres íconos de la niñez actual: Mickey Mouse, dueño de un imperio animado, Ronald McDonald dueño de un emporio alimenticio, Kim Phuc, víctima de la guerra de Vietnam: UNICA DUEÑA DE LA REALIDAD MUNDIAL.

El hambre y la miseria en brazos de sus grandes colaboradores, sería tan sólo uno de los miles de títulos que se le podrían dar a ésta obra.

La idea de los dos personajes llevando alegremente a la niña en medio de su travesía del dolor simboliza principalmente dos posturas arraigadas a tendencias actuales:
-La primer postura hace énfasis en las cortinas de humo modernas que se emplean para minimizar las tragedias de emporios mundiales en este caso de los Estados Unidos de América ; el consumismo y el entretenimiento publicitario transforman el concepto global de consecuencias de la guerra y proyectan pantallas ficticias en donde se escudan tragedias de talla mundial.

- La segunda postura hace parte de la relación directa de la controversia cultural y el efecto de la composición de las imágenes, su tamaño, tonalidad en colores neutrales e impacto en la expresión de cada uno de los personajes que a su vez contrastan con el mensaje e ilustran perfectamente un sentimiento de clamor social y dolor posguerra.
El significante que agrava y escandaliza la imagen en general es más que la aparición de Kim Phuc, el relevante simbólico y maestral de la imagen centra sus bases en la consolidación del mensaje de niñez perdida y la mezcla de sensaciones imprevistas que se intuye pueda sentir el espectador; se usa en la imagen un filtro imaginario entre el cinismo y la crueldad de una realidad que para ser ejecutada no tuvo la visión del impacto de dichos actos y que ahora se atreve a juzgar por la exposición de sus consecuencias netamente directas.

También podemos anotar, no solo los iconos que cada uno presenta, sino también los valores o sentimientos que nos expresan; sentimiento, ideas, verdades y realidades que van de la mano hacía un mismo lugar; la miseria y sus aliados, están destinado a caminar juntos, uno por los lados del consumismo irracional y el otro el bombardeo del conocimiento. La miseria, la devastación, el hambre, la muerte y destrucción a la cual estos conllevan. Reflejo de una cruda realidad, que poco a poco se va disfrazando en pequeñas cortinas de entretenimiento y bajos precios. Una falta de respeto para la memoria y el sufrimiento de los vietnamitas, para cada una de los proyectiles y la pólvora ahí derramada. Una punto de partida para la reflexión, el pensar y el actuar frente a estos dos emporios, no emporios de capital, si no a esas ideas y estereotipos en los cuales nos encerramos y enfrascamos. Una imagen que no solo nos recuerda tres hitos en la historia, si no a esas cosas en las cuales la humanidad debe sentarse a pensar y mejorar.

El arte es una manifestación netamente social , si hablamos de sociedad desde el punto de vista de la interacción con el otro podríamos distinguir que toda relación interpersonal , movimiento social o lucha simbólica constituyen una pieza clave de la construcción artística de una cultura ; si tomamos este referente y lo trascribimos en ciudad podemos hacer una relación simple : Todo interacción o movimiento social genera una propuesta de micro ritual genérico que desborda las barreras de la expresión y transforma el sentir en arte , dicho arte se transforma en gente .. “Porque es gente, es sentir, es clamor”, el clamor es ciudad y las historias que allí se narran y que se ponen en tela de juicio la constituyen plenamente.